[미술 기교] 정물화, 인물화(초상화) 편

정물화

정물화는 일반적으로 구성되고 신중하게 선택된 방식으로 배열된 물건을 묘사하는 데 중점을 둔 예술 장르입니다. 이러한 유형의 예술에는 일반적으로 과일, 꽃, 도자기 및 가정용품과 같은 물건이 포함됩니다. "정물"이라는 용어는 "조용한 삶"을 의미하는 네덜란드어 "stilleven"에서 파생됩니다. 이 용어는 17세기에 가정환경에서 일상적인 물건을 선택하여 묘사한 특정 유형의 그림을 설명하기 위해 처음 사용되었습니다.
정물화 장르는 폼페이 폐허에서 발견된 정물화 벽화와 같은 고대 세계에서 발견된 예와 함께 수천 년 동안 존재해 왔습니다. 그러나 16세기가 되어서야 정물화가 그 자체로 대중적인 장르가 되었습니다. 이 기간에 예술가들은 더 넓은 범위의 대상을 묘사하고 작품 구성을 실험하기 시작했습니다.
17세기에 정물화는 네덜란드 미술에서 가장 인기 있는 장르 중 하나가 되었습니다. 네덜란드인들은 물질적 소유물에 대한 사랑으로 유명했으며, 그들의 정물화는 종종 은 제품, 유리 제품, 고급 음식과 같은 풍부한 사치품을 묘사했습니다. 이 그림들은 또한 질감, 빛, 그림자를 묘사하는 작가의 기술을 과시하는 방법으로 사용되었습니다.
18세기와 19세기 동안 예술가들이 풍경과 초상화와 같은 다른 장르에 관심을 돌리면서 정물화는 인기는 떨어졌습니다. 그러나 정물화는 20세기에 파블로 피카소, 조르주 브라크, 후안 그리스와 같은 예술가들이 사물과 공간 사이의 관계를 탐구하는 방법으로 장르를 사용하면서 다시 부활했습니다.
정물 기법에는 성공에 중요한 여러 요소가 포함됩니다. 여기에는 구성, 조명, 색상 및 질감이 포함됩니다.
정물화의 구성은 성공에 필수적입니다. 예술가는 시각적으로 매력적이며 균형과 조화를 만들어내는 방식으로 사물을 신중하게 배치해야 합니다. 작가는 또한 화면 내에서 사물의 배치와 깊이감을 만들기 위한 네거티브 공간의 사용을 고려해야 합니다.
그리고 조명은 정물화의 또 다른 중요한 요소입니다. 아티스트는 광원의 방향과 강도뿐만 아니라 빛이 구도에서 개체와 상호 작용하는 방식을 신중하게 고려해야 합니다. 빛과 그림자를 사용하여 볼륨감과 깊이감을 만들고 구성 내의 특정 개체를 강조할 수 있습니다.
색상은 정물화의 또 다른 중요한 요소입니다. 작가는 구성에 있는 물체의 색상이 배경과 상호 작용하는 방식뿐만 아니라 상호 작용하는 방식을 고려해야 합니다. 색상을 사용하여 그림의 분위기와 분위기를 연출할 수 있습니다.
질감은 또한 정물화의 중요한 요소입니다. 아티스트는 구성 내의 개체가 표현 되는 방식과 각 개체의 질감이 다른 개체의 질감과 상호 작용하는 방식을 고려해야 합니다. 질감을 사용하여 그림 내에서 깊이감과 사실감을 만들 수 있습니다.
그래서 정물화는 수천 년 동안 존재해 온 장르입니다. 그것은 폼페이에서 발견된 고대 벽화에서 피카소와 브라크의 모더니스트 작품에 이르기까지 시간이 지남에 따라 진화했습니다. 정물화는 성공적인 예술 작품을 만들기 위해 구성, 조명, 색상 및 질감에 세심한 주의를 기울이기도 해야 합니다. 관련된 어려움에도 불구하고 정물화는 예술가와 예술 애호가 모두에게 인기 있는 장르로 남아 있습니다.

인물화(초상화)

초상화 그림은 수천 년 동안 존재해 온 예술 장르입니다. 여기에는 자세를 취하거나 솔직한 환경에서 사람의 시각적 표현을 만드는 것이 포함됩니다. 인물화의 목적은 대상의 모습, 성격, 정신을 포착하는 것입니다.
초상화 그림은 고대 이집트, 그리스 및 로마에서 발견된 사례를 포함하여 수천 년 동안 사용되었습니다. 르네상스 시대에 초상화 그림은 레오나르도 다빈치, 라파엘, 티치아노와 같은 예술가들이 역사상 가장 상징적인 초상화를 만들면서 중요한 예술 장르가 되었습니다.
17세기와 18세기에는 렘브란트(Rembrandt), 벨라스케스(Velázquez), 게인즈버러(Gainsborough)와 같은 예술가들이 당대 가장 멋진 초상화를 그리면서 초상화가 더욱 인기를 끌었습니다. 이 초상화는 종종 자신이나 가족 구성원을 시각적으로 표현하고자 하는 부유한 개인이 의뢰했습니다.
19세기에 초상화 그림은 존 싱어 사전트(John Singer Sargent)와 에두아르 마네(Édouard Manet)와 같은 예술가들이 당시 가장 기억에 남을만한 초상화를 만들면서 계속해서 인기 있는 장르였습니다. 20세기에 사진이 부상하면서 많은 사람들이 그림을 그린 초상화보다 사진 초상화를 선호하기 시작하면서 초상화 그림의 인기가 쇠퇴했습니다. 그러나 초상화는 오늘날까지도 중요한 예술 장르로 남아 있습니다.
인물화는 기술, 창의성, 주제에 대한 감수성의 조합을 필요로 합니다.
다음은 인물화의 핵심 요소에 대해 알아 봅시다.
초상화의 구성은 성공에 매우 중요합니다. 작가는 그림에 포함될 수 있는 배경 및 기타 요소뿐만 아니라 화면 내에서 피사체의 배치를 신중하게 고려해야 합니다. 구도는 시각적으로 매력적이어야 하며 균형과 조화를 만들어내야 합니다.
피사체의 유사성은 초상화의 가장 중요한 요소 중 하나입니다. 작가는 피사체의 물리적 특성을 정확하고 사실적으로 포착해야 합니다. 얼굴의 형태, 눈, 코, 입의 특징, 피부의 질감과 같은 디테일에 세심한 주의를 기울이는 것입니다.
색상은 인물화의 또 다른 중요한 요소입니다. 작가는 피사체의 색상이 배경과 상호 작용하는 방식뿐만 아니라 서로 상호 작용하는 방식을 고려해야 합니다. 색상을 사용하여 그림의 분위기와 분위기를 연출할 수 있습니다.
조명은 인물화의 중요한 요소이기도 합니다. 작가는 광원의 방향과 강도, 빛이 피사체와 상호 작용하는 방식을 신중하게 고려해야 합니다. 빛과 그림자를 사용하여 볼륨감과 깊이감을 연출하고 피사체의 특정 특징을 강조할 수 있습니다.
질감은 인물화의 또 다른 중요한 요소입니다. 작가는 피사체의 피부, 머리카락, 의복의 질감이 표현되는 방식과 서로 상호 작용하는 방식을 고려해야 합니다. 질감을 사용하여 그림 내에서 깊이감과 사실감을 만들 수 있습니다.
그래서 초상화 그림은 수천 년 동안 존재해 온 예술 장르입니다. 성공적인 예술 작품을 만들기 위해서는 기술, 창의성, 주제에 대한 감수성의 조합이 중요합니다. 20세기에 사진이 부상했음에도 불구하고 초상화 그림은 오늘날까지도 중요한 예술 장르로 남아 있으며 많은 예술가들이 대상의 모습, 성격 및 정신을 포착하는 놀라운 초상화를 계속해서 만들고 있습니다.